新銳導演第一站：北藝大「關渡電影節」有什麼看頭？
今年稍早曾撰寫〈新銳電影灘頭堡金穗獎，為何已成死水一灘〉一文，針對表彰國內短片的金穗獎提出了一些見解。其中一項惹人議論的，便是點出「評審高齡化」的問題，還因此被扣上「年齡歧視」的帽子。但我並不認為年長者不能擔任評審，反而有在文中提出「年長的、資深的電影工作者在評選時提供專業意見也有其必要」。而評審名單也要均衡，因為「唯有納入更多年輕的創作者、評論者，汲取新生代觀點，方才能與新時代接軌」。
2021年的金穗獎確定改由金馬執委會負責主辦，屆時是否會有一些重大變革，或者在評審團引入新世代觀點，暫且不知。不過長期以來，其實有一個影展完全是以「年輕視角」來進行策劃的，它是位於台北藝術大學（以下簡稱北藝大）校區內的「關渡電影節」。關渡電影節展映的作品以學生短片為主，可惜難以吸引主流影展迷（即鎖定金馬、台北電影節的觀眾）的目光，加上地點又位處關渡的山區之中，對於校外人士而言，交通確實不太便利，因此許多影迷大概只聞其名，而不知它在策劃上的種種特色。
關渡電影節至今已舉辦達12屆，是國內少數全由學生自主策劃、選片的影展活動。一年下來，我們可以看到許多「大人」辦的影展，因此由學生自己辦的影展，顯得尤其可貴。關渡電影節在選片觀點上，也有其不群之處：由於可選映的作品超過30部，更使之能廣納各種不同類型的作品，幾乎沒有包袱的存在，只要是學生製片就行。
學生製片策展，低成本也有好作品
有些作品令人懷疑走出關渡電影節之後，是否還有機會獲得展映的舞台。例如來自北藝大、由黃若賓執導的《百齡橋檔案》（2020）採用偽紀錄片（pseudo-documentary）的形式創作，片長僅僅七分鐘，故事描述一名女生意外獲得了高強的武術能力，輕鬆就能將對自己暴力相向的男友震出幾十公尺外。
故事集結手機錄影、監視器畫面的素材，又與超能力有關，令人不禁聯想到好萊塢電影《超能失控》（Chronicle, 2012）。或許原創性不高，但也不能不否認，導演想達成的目的，應該也都做到了。換個角度來看，與其拘泥於高品質的影像創作，若有國內創作者願意嘗試低成本、低配置的偽紀錄片形式，往特定的類型（如鬼片）發展，或有在市場突圍的可能性。雖本片只是一部習作，其凸顯出的某種潛力與可能性，引人深思。
來自崑山科技大學、許志維執導的《月光捕手》（2020）也是一例。故事描述一對孤獨男女在傳說中的世界末日前夕相遇，兩人遊蕩在街頭、地下道，談論活著的意義。對於認真要追究角色動機、母題的觀眾而言，大概無法為如此鬆散的情節感到共鳴，只能大嘆：「這兩個魯蛇到底在幹嘛？」
但如果撇除學院式的檢視，便會察覺導演在場面調度與敘事節奏上的掌握，其實浪漫自如。兩位演員劉主平與潘綱大在略顯的空洞劇本之中，也演出了角色的靈性。只是這類「廢青作品」雖然向來能在年輕族群之間贏得追捧，但要進軍獎項，卻往往難以獲得太正面的評價。
片長過長的短片，野心還可以更大
有一些作品則因為其他因素，難以在其他影展與電影獎找到容身之地，不過問題並非題材，而是片長過長的問題。以台北電影獎為例，目前僅收片長少於30分鐘的作品，有些國際影展則可能在20分鐘，甚至15分鐘以內。哪怕拍出來的作品再傑出，卻缺乏放映的平台，似乎也成了白費功夫。
來自世新大學、由詹承廷執導的《青春劇烈物語》（2020）如是。故事描述一所高中的學期末，熱音社的四人組在面臨幹部交接前夕，關係產生了一些微妙的變化。鼓手林翰在社團之中並非最受歡迎的一號人物，但自認對社團投注更多熱情的他，希望能當上社長。不過，獲得「刮鬍泡」慶生待遇（在高中的世界，唯有萬人迷才能獲得這類整人式的慶生）的建甫，才是熱門人選，因為他的「型」更有社長相——除了看來更俊帥、性格外放、女人緣也更好。
不過作品無關於這群人對幹部職位的競逐，反而是編導透過這個即將發生的事件，讓角色去環視他們對自己以及對他人的認知。例如不想角逐社長的佑賢，看來像是不願爭奪目光，但片中一個廣告看板的線索，卻提示了他在原生家庭的處境，暗示著他在社交時對自己的定位。
作品不是那種揮灑汗水的矯情青春紀事，步調異常沉穩，剪接與轉場皆俐落得當，一眾演員的表現也恰如其分。導演在場面調度的才華，以及對學生心理世界的探索，令人聯想到吉田大八所執導的《聽說桐島退社了》（The Kirishima Thing, 2012）。只可惜片長超過30分鐘，未來參與影展難免受阻。以往我會稱這樣的作品「野心太大」，但我卻感覺導演的功力顯而易見，野心或許還可以更大。
具備「再現舊時代」的製片能力
同樣片長過長，但企圖心令人大開眼界的，則是來自台灣藝術大學（以下簡稱台藝大）、由張荷澤執導的《永恆之火》（2020）。該片混合劇情片與訪談形式，描述1970年代一群想要逃離暴政的法外之徒，試圖發動的逃亡行動。全片採取黑白攝影，將國民黨的刑求暴行以戲劇方式融入行動之中，反覆重演，使得作品徘徊在現實與虛構的界線之間。其創造的戲劇氛圍令人聯想到侯孝賢的《好男好女》（1995），至於形式部分則有王又平、李佳泓、黃奕捷與廖烜榛聯合執導的《錢江衍派》（2016）之風。
導演擅於利用光源來調度場面，並妥善運用有限的狹小空間，使得作品維持在一種高度的張力之下。簡言之，觀眾沒辦法從導演創造的空間裡，探出去呼吸到新鮮的空氣，那種使人窒息的壓抑感，是導演透過攝影等部門所共同創造的。就任何角度來看，《永恆之火》都是一個完美的示範，藉由有限的場景，一樣能讓觀眾有穿梭時空之感，顯見時代的氛圍未必只能透過布景來創造。
而該片也是本屆影展極少數不以當代為背景的題材，對極權時代的碰觸，延續了去年北藝大作品、林治文執導的《母親的呼喚》（2019）。同樣在去年以白色恐怖為主題、獲得社會高度關注、也在票房與獎項上有所斬獲的劇情長片《返校》（2019），這部學生作品的呼應堪稱是「不約而同」。由於製作資金考量以及題材處理的能力有限，過去很難期待讓學生去還原、再現舊時代，但《永恆之火》的表現，已經證明了台灣學生製片發展已經具備一定的成熟度。
新銳導演走向專業導演的第一站
本屆關渡電影節尚有許多可觀之作，除了上述提到的作品，動畫片《Blanket Talk》（2019）的短小精煉，通篇童言童語，結局令人驚異而動容。紀錄片《咪咪貓的奇幻之旅》（2020）則紀錄了沿途畫著咪咪貓的中年大叔，導演技法平實，卻深入了城市的心坎。短片《小傑》（2019）出奇地講述了一個關於精神亂倫的禁忌故事，撇開道德角度不看，導演確實牢牢捕捉住了人物釋放出情慾訊息的片刻。
許多作品都是在畢展之後緊接著在此首映，換言之，關渡電影節可能是某些新銳導演走向專業導演生涯的第一站。若想要知道當下學生對影像的執著與追求何在，或者預知台灣未來新銳之作的選材、形式走向，從關渡電影節切入，無疑是最好的起點。
